Khi đã thành thạo, Steadicam là một cách tiện dụng để có được cảnh quay ổn định chuyên nghiệp. Thế giới của Steadicams và cảnh quay ổn định đã thay đổi đáng kể trong thập kỷ qua. Tại một thời điểm, công cụ đắt tiền chỉ dành cho các chương trình truyền hình chuyên nghiệp, TV và rạp chiếu phim.
Tuy nhiên, với việc các nhà làm phim mới sinh ra từ cuộc cách mạng DSLR khao khát điều gì đó tương tự, chúng ta cũng đã chứng kiến sự ra đời của các công cụ ổn định rẻ tiền tuân theo nguyên tắc của Steadicams, nhưng kết quả không thành công. Sau hơn một thập kỷ, chúng ta đã chứng kiến sự ra đời của gimbal và giờ đây mọi người đều có thể có được những thước phim mượt mà.
Steadicams dường như chỉ quay lại với các sản phẩm chuyên nghiệp, trong khi các nhà làm phim kinh phí thấp và mới chọn hướng tới gimbal như DJI Ronin-S.
Steadicam là gì?
Đầu tiên, có lẽ chúng ta nên che đậy sự thật rằng Steadicam là tên thương hiệu của công cụ ổn định máy ảnh từ Tiffen. Khá giống như Hoover cho máy hút bụi gia đình và Velcro cho móc và dây buộc vòng, Steadicam đã trở thành một từ khái quát mà mọi người đặt cho thiết bị ổn định máy quay. Tuy nhiên, nó chỉ là một trong nhiều thương hiệu chuyên nghiệp trên thị trường.
Không cần thêm lời khuyên nào nữa, Steadicam là một giàn máy quay được thiết kế độc đáo để ổn định độ rung của máy quay. Nó cách ly máy quay khỏi chuyển động của người điều khiển một cách cơ học, cho phép quay mượt mà, ngay cả khi di chuyển trên bề mặt không đối xứng. Được tạo ra lần đầu tiên vào những năm 1970, Steadicam nhanh chóng gây bão ở Hollywood như một lựa chọn tốt hơn để quay các cảnh theo dõi mượt mà. Haskell Wexler là người đầu tiên sử dụng Steadicam trong bộ phim Bound for Glory năm 1976, người chiến thắng giải Oscar cho Quay phim xuất sắc nhất năm đó.
Vì Steadicam cho phép các nhà làm phim đi bộ với máy quay mà không bị rung cầm tay có thể nhìn thấy và đáng chú ý, nó đã mở ra một thế giới của các khả năng điện ảnh. Các cảnh quay liên quan đến chuyển động có thể trở nên dài hơn — các cảnh hành động sống động hơn. Nó cũng cho phép máy quay di chuyển vào các khu vực mà nếu không thì không thể do kích thước đường ray và đường đua. Có lẽ một trong những bức ảnh Steadicam được công nhận và nổi tiếng nhất là từ Goodfellas của Martin Scorsese.
Một điều cần lưu ý về việc sử dụng Steadicam là nó không cần thiết lập và chỉnh sửa camera. Ví dụ, nếu chúng ta lấy cảnh từ Goodfellas mà không có Steadicam, thì đây có thể dễ dàng là cảnh quay từ mười đến mười lăm cảnh, khi chúng ta di chuyển từ ngoài đường vào trong bàn.
Không giống như gimbal, Steadicam chủ yếu đạt được cảnh quay mượt mà từ một loạt trọng lượng đối trọng và kỹ năng của người vận hành. Không giống như gimbal sử dụng động cơ để giúp đạt được cảnh quay ổn định, công cụ chính của Steadicam là trọng lực. Do đó, việc sử dụng Steadicam đi kèm với đường cong học tập dốc và đó cũng là lý do tại sao nhà điều hành Steadicam là một vị trí được chỉ định trong sản xuất. Nó đòi hỏi kỹ năng và chuyên môn để thành thạo.
Điều này không có nghĩa là bất kỳ ai cũng có thể sử dụng gimbal, điều đó cũng đòi hỏi sự kiên nhẫn để hoàn thiện, nhưng hành động sử dụng Steadicam là một thủ công trong chính nó.
Tại sao tôi cần một Steadicam?
Nếu bạn đã từng cố gắng giữ ổn định máy quay không ổn định, bạn biết rằng bất kể bạn có cảm thấy ổn định đến đâu, cảnh quay vẫn sẽ có chút rung lắc. Trên thực tế, cảnh quay bị rung có thể là một trong những yếu tố góp phần lớn nhất làm cho nội dung video có cảm giác nghiệp dư. Có lẽ nhiều hơn là chất lượng hình ảnh chính nó. Sử dụng trọng lượng để làm đối trọng với máy quay, Steadicam có thể loại bỏ hiện tượng rung không cần thiết và thu được cảnh quay mượt mà hơn.
Đầu tiên, kích thước máy quay của bạn sẽ đóng một vai trò quan trọng. Mặc dù gimbal có động cơ là lựa chọn hoàn hảo cho máy quay DSLR và máy quay không gương lật, nhưng chúng thường có giới hạn về trọng tải vì động cơ không thể xử lý sức ép của máy quay nặng. Ngoài ra, vì máy quay thường được đặt trong giá đỡ, bạn thường cần tháo máy quay xuống mức cần thiết để tránh nó va vào các phân đoạn của gimbal. Thông thường, điều này có thể gây hại nếu máy quay của bạn cần các phụ kiện bên ngoài, chẳng hạn như lồng để giữ ổ SSD tại chỗ.
Vì máy quay được đặt trên đầu Steadicam, nó giải quyết những vấn đề này, liên quan đến kích thước máy quay và có một máy quay được trang bị khi cần thiết. Nhưng, chủ yếu hơn, Steadicam vượt trội hơn với trục ổn định bổ sung. Một số người có thể tranh luận rằng với gimbal, về cơ bản bạn đang làm mượt chuyển động cầm tay thay vì tạo ra chuyển động mượt mà, ổn định.
Một gimbal có 3 trục ổn định – cuộn, nghiêng và xoay – để giúp điều chỉnh chuyển động quay. Tuy nhiên, nếu bạn đã từng sử dụng gimbal, bạn sẽ biết rằng bạn cần thực hiện bước đi theo phong cách ninja để giữ độ bồng bềnh và lắc lư ở mức tối thiểu, vì cánh tay của bạn chịu trách nhiệm chuyển động của máy ảnh từ trái sang phải , tiến và lùi.
Một Steadicam được gắn vào bộ phận hỗ trợ dựa trên áo vest cho phép ổn định đầy đủ năm độ ở cả trục quay và trục bên. Bạn có thể thấy một số hình ảnh về những người vận hành Steadicam với những gì trông giống như một cánh tay lấy cảm hứng từ Doctor Octopus đang vươn ra khỏi cơ thể của họ. Cánh tay có lò xo này giúp cô lập cơ thể di chuyển khỏi máy quay.
Cùng với chuyển động khéo léo của người điều khiển, phần lắc và lắc sẽ hoàn toàn bị vô hiệu hóa, dẫn đến chuyển động hoàn toàn ổn định. Máy quay sẽ được cân bằng đến mức người ta có thể nhảy lên và xuống, và máy quay sẽ nằm yên trên cánh tay. Tất nhiên, với gimbal, máy quay sẽ di chuyển theo những bước nhảy của bạn.
Steadicam cũng vượt trội hơn gimbal ở dạng chuyển động. Trong khi gimbal, như Ronin-S, sẽ cho phép người điều khiển đối mặt với máy quay theo hướng gimbal di chuyển và tương tự như vậy, sẽ có cần điều khiển để quay và nghiêng nhanh hơn, gimbal thực sự yêu cầu sử dụng một trợ lý điều hành để quản lý chính xác, chuyển động có kiểm soát.
Người vận hành Steadicam có thể nhanh chóng di chuyển máy quay với độ chính xác chính xác — từ xoay cột trung tâm đến nghiêng một cách dễ dàng — tất cả trong khi di chuyển trên một bề mặt không đều mà không hiển thị bất kỳ sự lắc lư trực quan nào.
Làm cách nào để thiết lập Steadicam?
Có rất nhiều yếu tố cần xem xét khi thiết lập Steadicam, bao gồm:
Back weights
Front weights
Choosing the right peg
Horizontal stabilization
Vertical stabilization
Lens weight
Lens focal length
Camera weight
CÁCH DAVID FINCHER SỬ DỤNG MÀU TRONG PHIM
Người ta có thể chỉ ra bất kỳ kỹ thuật quay phim ấn tượng nào được sử dụng trong phim của David Fincher, nhưng có lẽ một trong những kỹ thuật quan trọng nhất là Color Palettecủa anh ấy.
Như chính anh ấy đã từng nói, “Trong phim, chúng ta điêu khắc thời gian, chúng ta điêu khắc hành vi và chúng ta điêu khắc ánh sáng.” Điều cuối cùng là những gì chúng tôi đang tập trung vào ngày hôm nay.
Hơn hầu hết các đạo diễn, Fincher đã dành sự nghiệp của mình để lấy các thành phần của cuộc sống hàng ngày và mổ xẻ chúng đến mức ám ảnh. Rốt cuộc, không có gì lạ khi anh ta quay hơn 40 lần cho một cảnh.
Điều này, như anh ấy đã đề cập trước đây, không phải là để khiến các diễn viên phát điên. Đó là về việc “tìm ra những khoảnh khắc giữa những khoảnh khắc gây tiếng vang.”
Phim của David Fincher muốn đi vào trọng tâm của những gì làm cho thực tế trở nên nổi bật. Làm thế nào con người và các lực lượng môi trường khen ngợi và chống đối lẫn nhau.
Complementary movie color palettes
Xung đột là trọng tâm của bất kỳ câu chuyện nào, nhưng trong các bộ phim của David Fincher, ý tưởng xung đột là một thứ gì đó phức tạp và bất ngờ hơn.
Tất nhiên, Fincher chưa bao giờ trốn tránh xung đột. Rốt cuộc, chỉ cần nhìn vào tiêu đề của các bộ phim của anh ấy: The Game, Fight Club, Panic Room.
Nhưng thay vì chỉ tập trung vào các lực lượng bên trong và bên ngoài ảnh hưởng đến các nhân vật, Fincher cũng nên sử dụng color palette của môi trường để thể hiện xung đột.
Đối với Fincher, mọi thứ trong cảnh quay là phần mở rộng của các nhân vật và phải phản ánh tình thế khó xử của họ. Không chỉ bản thân các đồ vật nên kể một câu chuyện mà còn cả màu sắc và kết cấu bao gồm chúng. Lấy những khoảnh khắc cuối cùng của Fight Club chẳng hạn.
Khi Jack và Marla đứng cạnh nhau trong ánh sáng xanh, những vụ nổ bất ngờ màu cam không chỉ minh họa cho mối nguy hiểm của thời điểm này mà còn là sự không chắc chắn trong tương lai chung của họ.
Các lựa chọn color palette như thế này thể hiện xung đột tồn tại trong tâm trí nhân vật và vị trí chứa chúng.
Monochromatic movie color palettes
Fincher nói, “Bạn có trách nhiệm đối với cách bạn tạo cảm giác cho khán giả và tôi muốn họ cảm thấy không thoải mái.”
Thiết lập là chìa khóa trong các bộ phim của David Fincher. Nó không chỉ được sử dụng để cố định hành động mà còn cung cấp cho khán giả ý tưởng tốt hơn về trạng thái trong quá khứ và hiện tại của các nhân vật.
Fincher muốn khán giả cảm thấy giống như cách các nhân vật làm. Điều này đạt được không chỉ thông qua các màn trình diễn mà còn thông qua color palette sẽ nâng cao sức nặng cảm xúc của các cảnh quay. Lấy ví dụ như phần mở đầu từ The Social Network .
Màu đơn sắc mang lại sự gắn kết thị giác mạnh mẽ. Phạm vi tiềm năng của các tông màu tương phản cho phép người xem tập trung tốt hơn vào hành động trước mặt họ.
Khi Zuckerberg nói, “Tôi không muốn có bạn”, tông màu tối của quán bar chật chội càng làm tăng cảm giác bất an và cô lập của anh ấy.
Chúng tôi không khỏi cảm thấy tức giận và bối rối giữa những cá nhân này. Đó là bảng màu đơn sắc truyền tải quan điểm của những nhân vật gặp rắc rối này.
Discordant movie color palettes
Cũng giống như Fincher chấp nhận xung đột của các nhân vật của mình, điều này cũng đúng với bảng màu phim của anh ấy. Màu sắc trái ngược là những màu gần như đối lập nhau trên bánh xe màu.
Mặc dù chúng có thể không nhẹ nhàng như các màu bổ sung, nhưng chúng gợi lên một năng lượng khiến chúng trở nên lý tưởng để tăng cường sự hồi hộp; biểu tượng trong các bộ phim của David Fincher.
Ai mà không luốn cuốn khi giám đốc của Seven bảo Thám tử David Mills nói, “Có gì trong hộp?”. Ở đây, màu cam trên đồng phục của John Doe và tông màu tối của áo khoác của các thám tử càng làm tăng thêm tính chất chói tai và đáng kinh ngạc của cảnh phim.
Doe, giống như một con vi rút, ăn mòn sự thất vọng của những người này. Sự sống động trong trang phục của anh ấy khiến anh ấy càng trở nên đáng sợ hơn. Với một bảng màu phim khác nhau, Fincher thu hút sự chú ý của chúng tôi đến các yếu tố không đúng chỗ để giữ cho dự đoán ở cường độ mạnh nhất của nó.
SO SÁNH PRORES RAW VỚI BLACKMAGIC RAW
Cách đây không lâu, việc tải video thô là một đề xuất khó khăn và tốn kém. Bây giờ có các định dạng thô cạnh tranh hoạt động trên laptop trung bình của bạn. Chúng ta đã đi được một chặng đường dài.
Ngay bây giờ, có vẻ như đang có một cuộc chiến giữa hai: Apple ProRes RAW và Blackmagic RAW. Chúng có thực sự khác nhau không? Bạn có nên chọn cái này hơn cái kia không? Rất nhiều câu hỏi hay nên được đặt ra vì việc chọn một câu có thể quyết định toàn bộ quy trình làm việc và NLE của bạn.
Nhà làm phim Chadwin Smith đã nắm giữ hai hệ thống máy quay, một với Sony a7S III và Ninja V để quay ProRes RAW và một với Blackmagic Pocket Cinema Camera 6K cho Blackmagic RAW, để thực hiện một phép so sánh đối đầu.
Nếu bạn có thể, hãy xem video ở chế độ HDR. Tính năng chuyển đổi HDR sang SDR tự động do YouTube thực hiện không tuyệt vời và khiến cảnh quay trông khá buồn tẻ. Tiếp tục từ thời điểm đó…
Smith đưa ra những điểm chính của sự so sánh. Đầu tiên, cái nào trông đẹp hơn. Thứ hai, cái nào dễ làm việc hơn. Và cuối cùng là giá cả phải chăng hơn. Có lý do chính đáng để so sánh giữa các định dạng này vì cả hai đều hứa hẹn một thế giới video thô mới có thể tiếp cận với nhiều người hơn thông qua các tối ưu hóa tuyệt vời.
Để so sánh, anh ấy tiết lộ rằng anh ấy đã quay bằng a7S III với Ninja V để ghi lại 4.2K ProRes RAW. Đối với Blackmagic RAW, anh ấy đã sử dụng Pocket 6K để ghi nguyên bản vào các ổ SSD bên ngoài.
Đối với ống kính, Sony sử dụng G Master 24-70mm và Blackmagic sử dụng một loạt số nguyên tố Rokinon để phù hợp với khung hình. Ngoài ra, một ND thay đổi được sử dụng để đạt được màn trập 180 độ.
Có rất nhiều cảnh quay trong video này và điều đó được đánh giá cao. Anh ấy chỉ ném trên một LUT, vì vậy tôi đoán bạn có thể đạt được hiệu suất tốt hơn từ máy quay nếu bạn đạt điểm thực sự. Tuy nhiên, tôi nghĩ rằng việc quản lý phù hợp từng máy quay có thể giúp chúng trông giống nhau mà không có vấn đề gì. Về cơ bản là một trận hòa ở đây theo ý kiến của tôi.
Bây giờ cho câu hỏi quy trình làm việc. Để ghi ProRes RAW, bạn sẽ cần một máy ghi Atomos bên ngoài, đây có thể là một điểm khó khăn. ProRes RAW cũng hoạt động tốt nhất trên các sản phẩm của Apple sử dụng Final Cut Pro X.
Không có câu hỏi nào ở đây. Hỗ trợ ngày càng tăng để bao gồm Premiere và các NLE khác, nhưng để đạt được kết quả tốt nhất, bạn sẽ muốn Final Cut. Đáng chú ý là nó không được hỗ trợ trong DaVinci Resolve.
Một điểm gắn bó khác với ProRes RAW là nó không có tính linh hoạt như định dạng thô truyền thống. Chỉ một số máy quay hỗ trợ thay đổi ISO trong NLE của bạn và thậm chí ít máy quay hơn có thể điều chỉnh nhiệt độ màu.
Dữ liệu vẫn ở đó nhưng không có cài đặt dễ điều chỉnh nào ở đây. Final Cut cung cấp cho bạn các tùy chọn cho Chuyển đổi thô thành nhật ký và LUT máy ảnh, vì vậy bạn có thể nhanh chóng có được cảnh quay đẹp mà không cần nỗ lực nhiều.
Đối với Blackmagic RAW, chúng tôi sẽ xem xét việc sử dụng DaVinci Resolve để được hỗ trợ tốt nhất. Premiere Pro cũng có một số hỗ trợ, nhưng nó sẽ không được hỗ trợ trong FCP. Không có gì ngạc nhiên vì họ có các định dạng cạnh tranh.
Resolve rất dễ sử dụng và cài đặt Camera Raw mở rộng hơn một chút. Có các tùy chọn cho không gian màu, gamma, cân bằng trắng, tông màu, khôi phục vùng sáng và LUT. Tôi nghĩ Blackmagic RAW xứng đáng được ghi nhận vì sự nhất quán về tính năng và hiệu suất trong Resolve.
Phần tiếp theo thực sự là nơi tách biệt hai định dạng: kích thước tệp và tùy chọn nén. ProRes RAW, theo đúng phong cách của Apple, có các tùy chọn rất hạn chế: ProRes RAW tiêu chuẩn hoặc ProRes RAW HQ. Cả hai đều đạt mục tiêu chất lượng và đều là những tệp rất nặng. Smith ước tính khoảng 28 phút thời gian ghi trên ổ 500GB ở 4K ở tốc độ 24fps. Và bạn không thể làm gì về điều đó.
Mặt khác, Blackmagic cung cấp cả tùy chọn nén mục tiêu chất lượng và tốc độ bit. Và có rất nhiều lựa chọn. Trên Pocket 6K, bạn có thể giảm xuống mức nén 12: 1, có thể giảm 130 phút của cảnh phim 6K 24 fps vào ổ 500GB
Tôi không nghi ngờ gì khi có những tùy chọn này là một lợi thế rất lớn cho Blackmagic RAW. Không phải lúc nào mọi người cũng cần chất lượng hàng đầu. Một cuộc phỏng vấn dài với chuyển động tối thiểu và ánh sáng tốt không cần điều kiện tốt nhất, nén sẽ hoạt động tốt. Và Blackmagic RAW mang lại cho chúng ta sự linh hoạt đó.
Theo tôi, so sánh tiếp theo của Smith về giá không hợp lý lắm. Anh ấy đã sử dụng cụ thể a7S III và thêm vào ổ SSD, Ninja V và FCP X có tổng số tiền lên tới 4800 đô la. Blackmagic chỉ yêu cầu Pocket 4K và SSD, giá dưới 1500 đô la.
Nếu bạn bỏ qua a7S III, bạn có thể nhận được Z CAM E2C với giá 800 đô la và thêm Atomos và một ổ SSD giá cả phải chăng hơn để nhận ProRes RAW với giá thực tế tương tự như BMPCC 4K. Smith không thực sự kể toàn bộ câu chuyện. ProRes RAW có thể sẽ đắt hơn, nhưng các máy quay này cũng đi kèm với các bộ tính năng hoàn toàn khác nhau.
Bây giờ, tôi sẽ nói rằng có giá trị trong so sánh này ở chỗ nó cho thấy rằng bạn có thể nhận được kết quả rất tốt với một trong hai tùy chọn. Tuy nhiên, đó không phải là một so sánh công bằng. Hai máy quay với hai định dạng cảm biến khác nhau và độ phân giải khác nhau thì không cách nào bằng nhau. Tôi rất muốn thấy điều này được thực hiện với một máy quay có thể xuất cả hai, như Nikon Z 6II hoặc Sigma fp.
- Kỹ thuật quay phim chụp ảnh hiện đại: https://dongkhai.com/
- Các góc quay phim cơ bản và tiêu cự có vai trò gì đối với mỗi thước phim chuyên nghiệp?